メッセージ
私は誰で、どのような道を歩んできたのか？
Patrick Gerola
1959年6月28日、ブリュッセルの中心部で生まれた私は、幼少期から芸術の世界に浸っていました。絵画は私の人生そのものとなりました。詩人であり画家でもあった母アイリーンが、早くから私を芸術の世界へと導いてくれたのです。美しく魅力的な母は、創作するだけでなく、多くの芸術家のモデルも務めました。サン・ジルのブリュッセル美術アカデミーの教授レオン・プリンゲルスなど、多くの芸術家が母の肖像画を残しています。
子供の頃、私はマロル地区をよく歩き回り、かのピーター・ブリューゲルの面影を感じていました。教師のアニェス・デクロムの指導のもと、すぐに私を魅了したこの巨匠の作品に没頭しました。私たちはブリュッセル近郊のヴラゼンダールの田園地帯を歩き、芸術家の足跡をたどり、彼が繊細に不朽のものとした風景を見つめました。
雨の日曜日には、ベルギー王立美術館の無料入場を利用して、そこに展示されている作品に浸り、特にブリューゲルの絵画の前でじっと立ち、その全ての謎を解き明かそうとしました。
私の道は決まっていました。自然と王立美術アカデミーに入学し、マリアンヌ・ドックのクラスで研鑽を積みました。
そして1981年。モネ劇場での「シンデレラ」の公演を見て、芸術的な稲妻に打たれました。モーリス・ベジャールのバレエ学校「ミュドラ」に舞台美術家として加わり、そこでダンス、音楽、絵画が交差する三次元の世界を発見しました。学校の校長であり「アンサンブル」の振付師でもあったミシャ・ヴァン・フークと共に働きました。
1983年、このカンパニーの日本人ダンサーと共に日本へ渡りました。数ヶ月の予定だったこの旅で、それまで知っていた世界とは全く異なる魅惑的な世界に出会いました。まるで「鏡の向こう側」に踏み込んだような感覚でした。
そこで私は妻となる日本人声楽家のトモミと出会いました。東京とそのめまぐるしいリズムは、ほぼ40年間私の拠点となり、首都郊外の歴史ある村、鎌倉での12年間の滞在も経験しました。
今日、私は日本で画家としてのキャリアを追求しながら、ベルギーのダム運河沿いに保持している拠点に短期間戻ることもあります。私の人生は、自分の感性と感情だけに導かれ、このように展開しています。
私はどのように描くのか？
私の技法は時に人々を困惑させます！私は日本の伝統的な「日本画」で使用される顔料に、自分の配合で樹脂を混ぜて色を作ります。この方法により、私の色彩は唯一無二の透明感と驚くべき生命力を帯びます。
このアプローチは新しいものではありません。最初の洞窟アーティストたちは既にこの手法を用い、粘土、植物、自然の要素から色を作っていました。彼らは湿った壁に描き、松明を使って作品を乾かしました – この技法は「アル・フレスコ」として知られています。
この方法は、色を使用直前に準備する必要があり、季節によって変化したため、消えてしまいました。19世紀に再発見され、イタリアの美術学校によって復活したこの技法は、イタリアに住む画家である兄のジャン=マリから私に伝えられました。
ダンスの世界との協働は、私の絵画スタイルに深い影響を与えています。音楽によってリズムづけられた各動作が、キャンバス上の私の筆を導きます。それは振付のように振動し、踊り、各絵画を公演の一場面へと変えていきます。
私はまた、カラヴァッジョが愛した「キアロスクーロ（明暗法）」からもインスピレーションを得ています。彼は影の中で色をよりよく操るために、ろうそくの光で絵を描きました。この近い暗闇の中で作業することで、光に満ちた工房で生み出される多くの場合鈍い色調よりも、はるかに輝かしい色合いが生まれます。私の色彩はキャンバスを支配します！
私の絵画「創造」を例に取りましょう：太陽の光に包まれたポピー畑では、一輪一輪の花の温かさと生命力を感じることができます。地平線では、コバルトブルーの空が海と融合し、自由と希望を呼び起こします。各花は視覚的な協奏曲の中で歌い、踊ります。線は時にヴァイオリンを、時には遠くに消えていく銃剣を描き出します…
「月明かり」では、同じ風景が夜の光の下に現れます。花は青くなり、空は日没時に鮮やかな赤く燃え上がります。これは同じ場所の色彩が光の演出によって瞬時に変化することを示しています。
そして私の作品に登場する巨大な「小便小僧」についてはどうでしょうか？なぜ私の絵画の一部を2.20メートルの彫刻に変換したのでしょうか？
子供の頃、私はブリュッセルの有名なシンボルの小さなサイズ（62cm）に驚く観光客に出会いました。彼らの期待に応える大きさのバージョンを提供することにしたのです！これらの生きた絵画は、私の出身国への親しみやすく人気のある敬意、私のルーツの忠実な表現なのです。
私の芸術は私の哲学を反映している
自然と人間の関係は、木々が私たちと感情を共有しているように感じる瞬間を時に明らかにします。この経験は、それを体験した人々を深く変容させます。
私のインスピレーションは、自然とその光から直接湧き出ています。それらは私のキャンバスに動き、音、色として具現化します。雰囲気を捉え、鳥の声を聞き、風の愛撫を感じ、心と魂で描かなければなりません。感じたままに風景を表現し、しばしば美術市場に左右されるトレンドや芸術的潮流に影響されないことが大切です。
現代美術は二つの異なる道をたどっています：一つは伝統に根ざした基盤の上に創造し、もう一つは形や色を考慮せずに慣習を打ち破ろうとします。
私は、過去に属していた芸術には未来があると信じています。現在の芸術はその瞬間にのみ存在し、それと共に消えていきます。かつて、芸術家は誠実な職人でした。風景や肖像画が描かれ、その結果は自ら語るものでなければなりませんでした。
今日、美術市場は芸術を理解するのは複雑だと私たちに説得することがよくあります。しかし、風景に直面したとき、誰もがそれを美しいと感じるかどうかを判断できます。食べ物と同じように：私たちは好きか、好きではないかを判断します！芸術は心と感覚で感じるものです。好きか、好きではないかです！
絵を描くことは大きな責任を伴います。私たちは自分の感情を通して、他者の生活に自分のエネルギーを投影します。だからこそ、自分自身との調和が不可欠なのです。
形と色は人生を美しくするための治療法です。自然をますます眺める機会が少なくなる現代世界では、有害な波を中和し、ポジティブな波を吸収し、世界との関係を人間化することが不可欠になっています。
これが私の哲学です。
そして他者の視線は？
私の作品を最も養うのは、他者の視線 – 彼らの証言、展示会後の手紙です。
時に私は、それまで絵画芸術に触れたことのなかった人々に出会います。後に彼らが他の作品、他の画家、他の展示会を発見したいという欲求を感じたことを知ります。
芸術家にとって、これ以上の美しい認識があるでしょうか？
絵画は幸福や静けさを伝えることができます。また、その創作者の苦しみを明らかにすることもあります。誠実さが重要であり、観客は常にそれを感じ取ります。
自分自身でこれを認識することが、成功への鍵の一つとなります。